爱娃•莱斯琵妮
时 间：2010年4月19日15时
地 点：中央美院美术馆
演讲人：爱娃·萧斯琵妮
翻 译：张芳
主持人王春辰：首先对爱娃·萧斯琵妮做的到来表示欢迎，大家知道这个时候有大量的摄影在展出，说明这个时代大家对摄影越来越重视，摄影成为当代艺术立一个重要的门类，在我们中央美院也有摄影专业，在9月中央美院美术馆也要举办摄影专业的十年回顾展览，下个星期还有法国摄影家的个人展览，还有一位日本摄影家的展览，都在美元美术馆举办，这说明大家越来越重视，但是在重视的同时我们还要了解国际上的状态，这时候正好爱娃·萧斯琵妮参加了国际摄影节活动，我们有幸让他介绍一下美国摄影的情况，我们再次欢迎爱娃·萧斯琵妮做演讲。
爱娃·萧斯琵妮：大家下午好！首先我要感谢中央美院邀请我来到这里给大家介绍一下我在2009年在纽约现代美术馆策划的一个新摄影展览，另外还要感谢王老师邀请我来做这个讲座，还要感谢翻译。我演讲的题目是介绍去年2009年在纽约现代每时管策划的新摄影展览，这个新摄影展览是1985年在美国现代美术馆发起的，每年在秋季都是推荐新摄影家的展览。这个展览首先向来参观的观众介绍一下纽约以及全世界的新艺术家的作品，这个摄影展览旨在推荐一些最新的，不被人所知的年轻摄影艺术家的作品。
这个系列摄影展览向观众介绍了我们MOMA将来摄影趋势，在展览中也推荐了很多艺术家，并且通过在MOMA的展出变得被人所知。自1985年举行的一系列摄影展览中，最开始在MOMA做展览，然后被世人所知的摄影家，这十五年中推荐了15个国家68个摄影展览作品。通常MOMA的展览都是很庞大的，但是在新摄影展览中介绍的是小规模的，通常是两到四个摄影家。通常这些摄影展览是没有主题的，选出的作品是我们坚信在当代摄影界探索新材料做的新作品，2009年我策划主题时我认为应该围绕一个更深刻的主题进行，我认为现在这个时刻对摄影来说非常重要，现在这个时代充满着各种变化，并且给摄影家提供了多种手段，正是在这一比该激动人心、充满活力的世界中，很多摄影艺术家开始探讨我们现在所处的21世纪大家应该用什么样新的材料、新的过程来创作新的作品。
在2009年我策划的展览中，六个艺术家的作品我坚信他们的创作思路是沿着在当代摄影中什么是最重要的，围绕这个主题进行的。我相信我策划的这六个艺术家的作品，探索不同得材料，无论是最早的模拟成像以及数码合成技术上，他们都在研究着到底什么是摄影。这六个艺术家最初都是从工作室或者暗房里开始的，这些人都是走进工作室，走进自己的暗房，用一些技术，比方说合成、拼贴这样的技术来创作图象。
这些摄影艺术家不单在摄影领域里工作，同时兼着雕塑家、素描以及从事绘画和其他行业的。我介绍的这六个艺术家我坚信他们都代表着美国最新的趋势，我下面依次介绍他们的作品。
介绍的第一位艺术家出生在英国，但是在美国洛杉矶工作，看到这四幅作品都是彩色的，有两米高，这位艺术家完全在暗房里工作，作品不是用照相机完成的。大家看到这多层次、彩色、耀眼的光芒不是照相机拍摄出来的，万艺术家在暗房里操作完成。
Walead Beshty
American, born England 1976
Three Color Curl (CMY: Irvine, California, August 24th 2008, Fuji Crystal Archive Type C) , 2008
Color photographic paper, 97 x 50 inches (127 x 246.4 cm)
Collection Mara and Javier Mendez, Puerto Rico
我下面介绍一下他的操作过程，这位艺术家切下一卷彩色纸张，他身高两米，根据自己的身高切下来这张纸。然后把这张一点点卷起，然后放松，暴光在不同颜色下，打开一段暴光一下，打开一段暴光一下，一段段暴光，所以照片中呈现出不同得彩色色段就是在在打开到暴光再打开到暴光出现的。大家可以想象，在暗房里工作，伸手不见五指，大家可以想像这位艺术家是在什么都看不见的状态下创作的，在暗房里暴光后再像所有的摄影成像那样进行技术处理。大家可以想像，在漆黑的暗房里，打开纸暴光在某种颜色下，大无法预料会发生什么样的彩色效果。他创作色段组合时是无法控制的，唯一能控制是这像私人的表演一样，自己在暗房中完成。所以这些照片的色彩都各不一样，而且色段层次也不一样，大家可以想像，艺术家无法控制的。
这个照片是艺术家无法控制的，所以照片的呈现方式既可以朝上朝下朝左朝右，可以随便的。因为成像的结果是艺术家无法预料的，所以更像自己画素描，作品呈现的效果不太像一张摄影作品。这位艺术家展览结束后，还回到暗房，用手工重新操作，从色彩的暴光上到色彩的完成，都是自己一手完成。
下面一位艺术家是Daniel，他住在纽约。大家看到的这些图片中的图象都是艺术家自己做成的雕塑形象。这些雕塑都在拍摄之前完成，拍完后这些雕塑就不复存在，所以呈现的是摄影作品，雕塑已经消失。这些雕塑是拿纸做成的，都是艺术家通过网络或者纸媒上找到的图象，然后投入放大，通过剪裁选择，然后做成雕塑。这位艺术家如果想到金色的头发或者什么样的脸，就从网络进行搜索，然后进行拼贴，然后做成雕塑。
Daniel Gordon
American, born 1980
Rainbow Portrait, 2009
Chromogenic color print, 29 3/4 x 37 1/2 inches (75.6 x 95.3 cm)
Courtesy the artist and Claudia Groeflin Galerie, Zurich
这些图象基本以女性图象为主，就像刚才那位艺术家的作品一样，都是在挑战摄影的材料和过程，这位艺术家的作品也同样用网络上的照片，经过拼贴、组合程序，而非传统的摄影胶片式。大家可以想像，这个作品在成为照片之前是多层次的，一层层的东西拼接在一起，但是成像的结果是一张平的画面。这些女性的图象都让你想起这个女人身边发生 什么样的故事，比如是不是死了，或者造成什么样的情况，他自己联想，让他想起一个小说中，把女人的肢体重新组合，然后发生了什么样的故事。
大家可以想像，尽管这个作品完成之前是拼贴组合的，但是完成过程中没有经过数码加工。是用8×10的大座机拍摄出来的，所以每个细节拍摄的都很清晰。
跟前面一位艺术家一样，创作的作品都是超写实的，通过自己的想象力，通过自己的组合，手工技术来完成这些影像。
这位艺术家叫LESLIE Hewitt，也是生活在纽约。第一眼看他的作品感觉有点太简单了，他的所有作品都像静物拍摄的一样，找到一些图片，然后纯粹拍下来，很简单。都是用中型像机拍摄下来，没有经过后期数码加工。这位艺术家把30年庆祝的一份期刊放在自己家的地板上，上面又放了自己个人的照片，创作三层的感觉，就是把自己的生活投射到影像中。这个艺术家在他作品中呈现的物品都跟自己有亲密的感觉。
Leslie Hewitt
American, born 1977
Untitled (Epiphany of Circumstance), 2006-08
Chromogenic color prints, each 30 x 40 inches (76.2 x 101.6 cm)
The Studio Museum in Harlem, Museum Purchase with funds provided by the Acquisition Committee
大家粗看一下这两张照片似乎是一模一样的，走近可以看到这个作品其实有不同的地方，尤其是在光线方面很不同，好象一个照片在另外一个照片几秒钟执勤拍摄的。大家可以看这两张照片好象是上下颠倒的，其实照片颠倒的放就是给大家一种错位的感觉。大家看到其中的照片和旁边的书、镜子，他生活中提取的物件都是倒着摆放的，唯一有一个点可以辨别照片的正反
其实这位艺术家故意这样上下错放，就是挑战大家认为摄影就是真实的，摄影可以反映真实的东西，因为大家通常看到摄影作品时都会想，这是现实生活的反映，这位艺术家挑战的就是这种观念，通过他的摄影作品让大家有错位的感觉，让大家以错放的方式来理解看他的作品。这个照片三张是联着的，这三联的照片大家可以看到，前两张有个时间过渡的过程，在三联的作品中，前两张影像，其中这位艺术家趁机放在里面一个小的物品，暗含玄机，证明这个照片是正着放的。
这三位艺术家有个特点，这三位艺术家都没有采取后期的数码处理，都是在挑战传统的摄影技术。
这位艺术家Carter Mull出生在美国，在洛杉矶工作。这五件作品很显然表明成像过程经过后期数码处理的，这五件作品呈现给观众的感觉特别像绘画的感觉，充满各种各样的颜色和图案。这位艺术家对过去很多纸媒上出现的各种概念感兴趣，所以这位艺术家在研究，纸媒和模拟成像之间到底有什么样的联系，他感觉最早的摄影技术就跟现在的网络将来会被数码技术时代取代，就是纸媒也会消失。材料就是用洛杉矶时报作为素材，所以他每天的工作是要把报纸首页和最后面一页拍摄下来，然后通过电脑技术比较大的转变一下。
Carter Mull
American, born 1977
As Many Studio Peers Fold Up Their Tents, 2009
Chromogenic color print, 37 x 54 1/8 inches (94 x 137.5 cm)
The Tonnemacher Family Collection, Los Angeles. Courtesy Marc Foxx, Los Angeles
通常在洛杉矶时报上头条主要的图象都会介绍当地发生的重要事件，然后这位艺术家通过电脑处理，把自己日常拍摄的田野照片将新闻照片取代。图片尽管被替换掉，但是主题和报纸的时间没有做任何改动。这个头条是介绍2009年在美国发生的一家飞机坠落事件，所以大家可以想像，他取掉的照片应该是主题介绍的飞机坠落惨烈的情景。所以大家看到这张树的照片取代飞机坠落的照片，说明我们现在通过数码技术可以进行转化。这个报纸最后一页通常是广告，他也是用日常乡村图片取代，显得与首页很契合。
这是他另外一件同样方式完成的作品，头条照片是用自己的照片替换下来。需要提出来，这个照片是印在金属纸面上，所以比较晃眼，可以看到反射。他用数码技术把图象转换后，材料进行了更新。
这张照片也是运用了同样的技术，利用了数码后期处理，看上去很抽象，颜色很鲜亮，也打印在金属纸面上。前面三张作品刚才讲过经过数码后期处理过的，后面两张通过二次暴光，用传统的成像技术，用照相机拍摄下来的。最后这两张照片大家感觉像是油画家的创作，充满了颜色。所以这个招聘跟前面几位艺术家一样，拍摄的不是现实图片，而是描写着自己心里的想法。
Sterling Ruby出生在德国，现在生活在洛杉矶，这四件在展览中出现的作品都是运用拼贴完成的，他最出名是因为雕塑作品，他在创作雕塑作品同时也在创作摄影作品，他在摄影作品中也通常呈现了他雕塑作品中的一些图象，反复出现。在他的雕塑作品中用喷漆在雕塑作品中完成后期处理，在摄影中也同样采用这样的技术。这位艺术家主要描绘城市溃败的局面，这个图象是艺术家拍摄完成后，然后在电脑中经过后期加工。这位艺术家在意大利旅行时看到一个墙上的浮雕作品，然后拍摄下来，拍摄的这个人其实就是二十世纪已经去世了的法国剧作家，上面写着剧作家的名字，在照片中看到的随意写下的名字，这大家经常也可以在墙上看到有人乱涂鸦。这后面两个像眼睛的是最后喷漆喷出来的，这红色的是用女孩子经常用的指甲油画出来的。
Sterling Ruby
American, born Germany 1972
Cry, 2005
Chromogenic color print, 62 3/4 x 46 3/4 (159.4 x 118.7 cm)
Collection Bill Cournoyer, New York. Courtesy Foxy Production, New York
这个作品是最初这位艺术家把雕塑作品拍摄下来，然后用红色的，用喷漆，用指甲油进行后期加工。这个艺术家的作品是抽象的，这红色像血液的感觉，那个眼睛好象是艺术家通过这样的视角来观看观众。
这也是跟前面几件作品完成的过程一样，拍摄一幅他的雕塑作品，然后进行后期材质上的加工，然后画了眼睛，然后用英文写下“哭泣”这个词在上面。
这个作品他拍摄的是花花公子的图表，用指甲油写上“动物”这个词，这有里面有侵略的感觉，这个创作过程尽管比较简单，但是完成的照片很光滑，经过装裱很整洁。尽管这个图象完成后很有商业价值，可是完成的过程和表达的内容是很有深刻的内容，有侵略性在里面。作品最后的成像比较简洁、平滑，很有商业价值，表现的内容也是社会暴力，有侵略性的，这是这个作品能够成功的主要因素。
后面几位艺术家都利用了后期数码的处理。这些艺术家的作品超越了传统摄影的界限，更像一个油画或者素描的感觉。
最后一位艺术家Sara Vanderbeek住在纽约，这四幅其实是组合的一件作品，每张照片大概两米高，这个作品尽管由四部分组成，大家看到的其实是一整张、一件作品，这个作品完全是传统的模拟成像，同样拍摄的是一些雕塑。他拍摄的都是他做出来的雕塑，拍摄完成后雕塑就被毁掉，最后的结果就是一张照片。
Sara VanDerBeek
American, born 1976
A Composition for Detroit, 2009
Chromogenic color prints
From left to right:
panel 1: 65 x 48 inches, panel 2: 65 x 43 1/2 inches, panel 3: 65 x 48 inches, panel 4: 65 x 47 1/2 inches
Courtesy the artist and D’Amelio Terras, New York
这位艺术家作成雕塑的内容都是从日常生活中，比如艺术史上，或者报纸、杂志中剪出来的图象。这位技术家拍摄的是别人的作品，仔细看这个过程，左边各个部分是用很薄的木板，将他选择的图象贴在上面，这位艺术家作品讲述的是关于摄影的摄影，现在这个时代，每个人都在制作图象，而他用什么方式完成自己的作品，所以他在反思摄影的历史。就是看摄影以前有什么样的作用，对于我们将来有什么样的启示，将来的发展会是什么样的。
这个图象可能看不太清楚，这个木板上贴的照片其实是MOMA收藏的一位艺术家的作品，他做摄影时参考了MOMA以前的收藏。这位艺术家在反思，在以前即时摄影非常盛行时，大家随时可以用照相机拍到日常的生活，而在现在摄影泛滥时，这些艺术家用其他技术和方法来挑战最早摄影成像的原理。
大家看这个作品，从左边看过去时，会感觉建筑在不同的变化，光线也在不同的变化。前面这四张照片，好象是雕塑感凸出来，你走近时，感觉你在走进一个空间，大家可以看到黑色、光亮的双重效应。左下角看到的也是MOMA收藏的一位艺术家的作品。
介绍完这六个艺术家的作品，这六位艺术家基本可以代表现在美国摄影艺术家的一些思想，我想他们的尝试能表现出摄影作为一种媒介，还是有新的方向可以找。作为策划人我也要探索艺术家正在做什么样新的尝试，他们的方向是哪里，我要跟着他们走。这些艺术家都在探寻到底摄影有什么样的本质。对于我来说，这些艺术家已经走出摄影范围，利用了素描和雕塑、拼贴等方式。
正如我讲座前介绍，现在这个时代是充满活力的时代，现在这个摄影时代是自己反思摄影本质的时代，而且在探索21世纪的时候，作为媒介一种新的摄影它的走向会是怎么样。
我就讲到这里，大家有什么问题可以提。
问：你好，通过刚才您亲自策划的新摄影展，而且您作为刚刚结束的第二届三影堂摄影展的五位评委之一，以您这样的双重身份，请您为大家描述一下，同时期美国新摄影的一批新艺术家，他们自己对摄影的探索相对于中国摄影艺术家以及中国摄影艺术现状，请您做一个对比分析。
爱娃·萧斯琵妮：我很高兴在过去这一周我担任三影堂摄影展的评委，我认为二十个侯选者的作品各有特色，我并没有把他们跟美国新出现的摄影艺术家进行对比，因为中国艺术家有自己独特的背景，创作的主题跟美国也不一样，也很难做一种横向对比。
刚才我讲的这六位美国艺术家也是在用新的方式探索用新材料的过程，我看到三影堂评选出来的艺术家作品，这些中国艺术家跟美国艺术家探索的都是同样的问题，都在思考摄影在今天这个时代会有什么样新的表现手段。
问：其中一位艺术家作品比较接近于油画，不太像摄影，是不是这样？
爱娃·萧斯琵妮：第一位艺术家，多色段的那个没有版本的，因为暴光过程很独特，他选择摄影是因为摄影本生这个特色能呈现他的意思，而且摄影本生也像油画一样，有它独特的表现手段。
问：站在国际视野看，您认为中国摄影最吸引人之处在哪里？
爱娃·萧斯琵妮：我对中国艺术家的作品中所呈现出巨大的能量非常感兴趣，在过去十五到二十年中，中国摄影艺术家也进行了重要的摄影实践。
谢谢大家！
主持人：总的来讲，通过他的介绍我们还是了解了美国当下摄影家对这些技术材料和新的方式的探索，当然跟我们中国也有接近的地方，我们再次对爱娃·萧斯琵妮的讲座表示欢迎和感谢。
