摘要：网络艺术是一门正在兴起的艺术门类，在艺术创作、传播、接受方面都表现出与传统艺术形式大相径庭的特征，尤其在接受活动中表现出的特征更加鲜明。在接受客体方面，它提供了人机之间以及作者与读者之间交互式的创作和交流方式，使得艺术不但具有共享性，而且还具有共建、共创性。网络艺术具有交互性、虚拟性、个人性、偶然性等特点。接受主体方面，网络艺术完全突破了传统艺术作者与读者的界限，作品是由互动者与被互动者共同完成的；同时体现出21世纪网络艺术者独特的人格特征、思维方式、技术要求……接受过程是网络艺术的根本存在方式，主体在这种融创作于接受的过程中实现个人价值。网络艺术同时引发了艺术于科技关系的争论：是技术先于观念，还是观念先于技术，是艺术工作者于研究者们深深思考的问题。
关键词：网络艺术，接受美学，接受客体，接受主体
引言：技术与艺术的对话
回顾人类文明发展史，从车装船载的竹简到发明纸张、活字印刷术，改变的不仅仅是文化传播的方式，思维方式也发生了根本性的转变。在以口传为主要艺术传播方式的人类早期，人们的思维方式是以观察为主的经验思维，艺术作品多重于描述：纸媒的应用使人们开始用特殊的逻辑来组织经验，将自己的口出之言集合为一个整体，整一性成为艺术作品追求的目标：以电视为代表的电媒用电实时远距离传递声音和图像，使艺术的传播更注重大众性与娱乐性，更注重“接受”。但从本质上看，无论是发达的纸媒还是电媒都没有改变文艺传播的传统过程即传者——作品——受者的单向传播关系、网络的发展改变了文艺传播本质层面的东西，其虚拟性与交互性使艺术由单向的传递变为双向的、甚至是多向的传递。而在更高意义上，网络艺术回归了口耳相传时期双向交互性。1984年中国获准加入internet，而截止到2002年12月，根据CNNIC（中国互联网络信息中心）的统计，中国大陆地区的网民已经达到了5910万，网络已经切实的进入了我们的生活。网络将人从繁重的体力负担与技术的难度中解脱出来，它以全新的方式引起艺术观念的深刻变化。现代社会产生了网络这种生存形式就会出现反应它的艺术，而文艺理论不与时代相结合则必然丧失发展的生命力。
网络艺术是一门正在兴起的艺术门类，网络的出现对人们思维方式和思想观念的影响和改变是巨大的；同时，作为一种艺术载体，它也具有与传统艺术载体不同的根本差异。它的发展与现代科技的突飞猛进相生相伴。网络艺术在艺术创作、传播、接受方面都表现出与传统艺术形式大相径庭的特征，尤其在接受活动中表现出来的特征更鲜明，它提供了人机之间以及作者与读者之间交互式的创作与交流方式，使得艺术不但具有共享性，而且还可以是共建或者是共创的，创作、欣赏和传播不再分离。20世纪的接受美学理论家虽然提出了作者与读者共同实现艺术创造的观点，但是由于当时物质手段的限制使得这种“共同”创造还只能是一种理想，也使接受美学本身的研究始终偏重于对创作与接受主体的关注而疏于客体的研究。网络的开放、自由、宽容和高速传播则为这种理想的实现提供了可能，作者与读者实现了第一次真正的亲密接触，这种接触不只是在作品创作之后，而在作品创作的过程中就得以实现了，这一点也会给文艺理论的研究带来新突破。
网络文学在国内的发展规模较大，至2003年4月，以“网络文学”为主题在“雅虎中国”上可搜到简体中文站点308个，在搜狐上也可以搜到283个相关站点。以全球最大的中文原创网络文学网站榕树下为例，至2003年4月15日，其作品量已经达到2.021.927篇，日上传量在1000－2000篇。但是，国内的网络文学多限于传统文学作品的上传，与真正意义的网络文学还存在差距。网络艺术网站发展虽然不及网络文学，却也有一定规模，以“网络艺术”为主题的站点在“雅虎中国”上可找到224个，其中已有部分站点的作品体现出网络艺术创作的基本特点。研究方面，国内关于网络艺术研究的专着实属不多，已有的也多流于对大现象的描述，如人大博士王强的《网络艺术的可能》对现代科学技术与文学艺术的关系进行了系统探讨，对网络艺术的可能作了探索性的研究，尤其关于网络艺术中艺术价值的探讨很有新意，但却缺乏文艺生产、传播、接受等具体理论层面上的深入研究；另外，对真正意义上的网络艺术作品也缺乏具体贴切的分析，因而很难说触及到实质。厦门大学黄鸣奋所着《比特挑战缪斯——网络与艺术》围绕网络与艺术的关系，选取了27个角度考察当前信息科技所带来的冲击波，认为信息科技可以按照自身发展的内在要求推动艺术变革。北京广播学院许行明等编写的《网络艺术》一书由其英文名《internet&art》就已经透露出它重在描述网络上传播的艺术，涉及网络艺术的内容在全书中所占篇幅及其有限。以上仅见的专门研究网络艺术的论着，都未从社会动因、文艺思潮以及时代精神的方面作深入研究，可以说是缺乏研究深度的，由于流于对大现象的描述也使之对真正的网络艺术作品缺乏准确的本质研究。更难有论着专门从接受美学的角度对网络艺术进行具体深入的研究，而网络艺术在接受美学方面所体现出来的艺术特征在现今看来恰恰最能反应出其真正内涵与精神实质。由于这门艺术本身在不断发展，材料不断更新，表现形式不断变化，造成对它研究的实际上的困难。国外的网络艺术作品发展较为成熟，因此大量涉及一手英文资料是研究的另一难度。此外，由于国内少有理论家涉及此领域的研究，所以成熟的理论资料相对来说也比较匮乏。
现代科技革命正在给艺术带来前所未有的变革。正是由于科技的推动，一些新的艺术样式产生，网络艺术应运而生。与传统艺术形态比较而言，网络艺术创作手段与工具的科技含量更高，作品传播的速度更快，范围更广，艺术内涵、价值、审美趣味趋于多元化。尤其是艺术的接受，在艺术过程中的作用越来越明显，甚至达到离开了它作品就无法完成的地步，这是网络艺术带给传统艺术的强烈冲击，也是对艺术形式，意义，价值的重新充实。对网络艺术的研究不仅仅对艺术理论本身的发展是一种拓展，更为重要的是，它为接受美学的发展提供了可靠的实践基础与理论创新空间。
第一章 艺术观念的更新
艺术观念的更新本身是一个社会历史发展、意识形态领域变化、科技发展与艺术本身发展的复合问题。在漫长的艺术发展过程中，艺术观念的每一步更新都是人类社会物质、思想与精神多重发展的结果。传统的艺术观念强调按照人本来的样子与应该有的样子去写，追求客观现实、视觉真实的描述，注重具体艺术形象的塑造，力图通过“摹仿”现实再现现实世界。至19世纪末20世纪初，现代艺术观念更加地注重了人主观世界的精神表现、强调深刻地表达出人类内心世界错综复杂精神的最高真实。20世纪末到21世纪初，高新技术的应用使人们的艺术观念又一次经历了变革，是否应该以精确化、资料化、客观化见长的技术理性）这在科学技术里已成为一种基本信念）评价艺术、艺术是否具有传统意义上的不断“进步性”？特别是电子化、信息化时代，艺术的水准是提高还是降低，在本体意义上是前进还是后退等等，成为当今美学与文艺理论研究者思考的问题。
1.1 社会文化背景
19世纪末至20世纪初，一种新的价值取向）包括美学价值）在社会历史的母体内孕育并爆发出一股强大的变革力量。由社会发展所产生的精神危机主要表现在如下方面：人的信仰危机；人对世界看法的危机；人对自身价值的认识危机。
20世纪的最初几十年里，科学技术得到了历史性的飞跃发展，自1687年牛顿发表《自然哲学的数学原理》以来，理性作为人的经验（工具理性）与人的精神（价值理性）在人类社会的发展中被推崇至无以复加的地位。在社会科学领域，黑格尔的辩证法将理性主义的精神更加体系化。然而，爱因斯坦在1905年发表《论动体的电动力学》、《物的惯性同它所含的能量有关么》至1916年发表《广义相对论的基础》，以其相对论推翻了牛顿的经典物理学，证明牛顿的经典物理学并不广泛适用于微观世界。从表面上看，相对论推翻的只是物理学的一些现成规律，而事实上它更否定了时间空间的绝对性，从而使一场物理学革命具有了浓厚的形而上的意味。不同参照系中的尺短钟慢效应不仅改变了物理时空范畴，同样改变了存在论、生存论意义上的时空观念，同时摧毁了对于绝对理性的崇拜，使人丧失了精神唯一性的支柱，由此产生人的信仰危机。
我们可以从摄影技术的发展来看技术如何改变人们看待世界的方式。透视法始创于文艺复兴早期，它以观看者的目光为中心，统摄万物，就像灯塔中的光——形象向内摄入，这些表像被人们称为“现实”。透视法使眼睛成为世界万象的中心，使人觉得世界万象是为观看者安排的。按照透视法的标准，不存在视觉的交互关系。它的内在矛盾在于它构建了全部的真实影像，向独一无二却又只能于一时一地存在的观察者呈现。照相机发明之后，这个矛盾逐渐显露。照相机分离出瞬间的表像，勾销了影像是永恒的观念。因为，时间消逝的观念同视觉经验是不可分割的。你看到的一切同你所处的时空颇有关联。动用透视法的每副图画都在提醒观赏者她是世界唯一的中心。而照相机开始表明了这一中心是不存在的。照相机改变了画家们观看事物的方法：可见物的自我展示并不是为了让人观看，而是在不断的流动中形成难以捉摸的东西；可见物也不是独一无二的眼睛原来的对象，而是绘画对象周围潜在景观的总和。既然不存在中心，那么也不存在一个完全的世界的画面，如福柯所认为的：我们不可能获得关于外部世界的一副完整的、客观的、独立的画面。人对世界的看法随之改变。
如果可以把第二次世界大战看作是一种历史分界线的话，那么二战后的文化景观显然不同于之前。两次世界大战使屠杀、死亡、仇恨、恐惧遍布全球，战争以非人化高科技的手段使血淋淋的杀人行动变成了一个按钮或者开关的启动。在西方历史中，不论是希腊人对波斯人的战争胜利或者是罗马人对迦太基人的战争胜利都具备一种体格与宗教崇拜的伟大。战争双方通过根据预先考虑好的政治决心而进行肉体冲突，命运得到了表达。战争意味着为信念而情愿牺牲生命，这信念就是对于一个人自身存在之绝对价值的信念，即坚定的认为死亡胜过被奴役。而在20世纪的最初几十年里，我们所经历的战争已经历了一种意义上的转变：战争的主体不再是人和基于人的公平决斗，而是基于武器的决斗；它不是宗教战争，而是一种“利益”的战争；不是人和人的战争（肉搏那种），而是机器之间以及所有机器与不战斗的人口之间的技术战。“战争是暴力最具体的展开形式之一”。1这样的战争里隐匿着一种深层的恶：人们开始认为自己的生命毫无疑问地比他人的生命更为重要，而且是世界上唯一真实的东西：人们无法做到把自己置于别人的地位而不背叛自己的内在的自我；渴求安全的恐惧致使人们只能以拥有胜过所有他人的暴力方式找到安全（这使我想到的现金核武器的种种条约）：强烈的权力欲导致生活成为无希望的混乱。在这样的精神状态下人的动物式的自私与野蛮表现得更为强烈，为了维持自己的生命不惜牺牲他人。从而产生了人对自身价值的认识危机。毕加索的《格尔尼卡》描绘了法西斯炮火轰炸下西班牙小镇的悲惨景象，同时也体现出一种历史文明的象征景观。毕加索在画面上呈现出炸弹爆炸的那种碎物飞扬的构图，同时将这种碎片化的文化留到了战争之后。破碎的文化空间与破碎的物质正好同构，而二战后的文学艺术就在双重的破碎的挤压下走向边缘。
艾略特的《荒原》中，现实是绝望与恐惧的，在它的面前人失去了自己的灵魂，意识流小说家乔伊斯的尤利西斯作品中，人是可怜而又可鄙的，存在主义小说家卡夫卡的《变形记》中人更是虫、是兽、是机器……现代派作家通过他们的笔触反映了对社会状况、对人的生存的深切关注，是对西方现代社会存在的种种问题的形象化总结。然而，他们只是摆出了问题，却始终无法解决问题。
在文学领域里形成了一场强大而持久的反传统文学流派：象征主义、表现主义、未来主义、超现实主义、意识流小说、荒诞派戏剧、黑色幽默、存在主义等为主流的西方现代派文学思潮。人们开始关注主观内心世界。作家们通过各种途径如荒诞变形、寓意神话、象征、内心独白、意识流等表现他们的内心世界，文学作品比以前的任何一个时代都更关注人的内心感受，因为作家们深刻意识到这个时代的人们所经历的那种深刻的精神危机。
尼采说上帝死了，萨特的存在主义哲学展示了一个荒诞的现实世界，人越发不能自我把握……弗洛伊德将他的研究深入到人的潜意识内部，他把艺术比作神经官能症（在《作家与白日梦》中），“艺术家跟神经病患者一样，受到格外强大的本能需要的压迫，使他由现实转向幻想。‘软化’人的无意识欲望，使之成为‘社会可以接受的外延’。”2 艺术家不再敢以救世为艺术创作的终极目的了，他本身就是一个问题所在。现代社会的现实问题使艺术家走向了自己的内心世界。此外，科技的发展使艺术面临着会变为一门技术的危险。在摄影刚出现的时候，新古典主义大师安格尔曾叹息任何一个画家也画不到照片那么逼真。摄影产生后，人们靠绘画留影存世的历史传统随之改变，艺术家开始探索摄影所无法表现的领域。印象派从研究光和色彩拉开了分解传统绘画的序幕。艺术家们因而强调自动主义和特殊个性的价值。立体主义、表现主义、抽象主义、偶发主义、涂鸦艺术等等都是对原来的“再现客观真实”概念的背离，它们或者是改变观察的角度和方式，或注重个体生命热情的表现，或挖掘潜意识的深层心理空间，或追求绘画本身的行为痕迹，现代艺术利用变形的手段打破人们已成定式的先验观念，试图通过此种方法证明自己存在的价值。20世纪60年代波普艺术用现成品的形式代替了传统的形象或形态创造。20世纪后期，随着录像技术与摄影技术的发展，影像装置艺术以其伸缩性与观念性表现出新的展览价值。艺术家们越来越重视利用手中的技术手段来表达艺术观念。
“绘画不是追随自然，而是和自然平行地工作着……”，瓦尔特·赫斯将这段话作为其《欧洲现代画派画论》扉页的主题，预示着艺术在进行的一场更为彻底的变革。在以蒙克为代表的表现派绘画那里，甚至包括之前和之后的其它现代画派都在经历着这样一个过程：对象和手段的物质成分越来越少，而所赋予的精神质素越来越多。成熟的西方写实主义绘画使形色等元素依照视觉规律消失在逼真的空间形体之中。而现代绘画则逐渐表现出一种打破视觉规律使形色等元素从逼真的空间形体中逐渐独立出来的趋势。试图以“理性”和“情感”对自然提供的形色进行主观再造，从而替代客观写实。从丢弃了艺术为一定社会意义服务和形体写实主义这一条传统绘画的内容标准和形式标准，到把表现形色转向表现理性的或感情的内心而使绘画元素具有了更多的非实物性，到用于表达与社会更少联系的个人观念甚至是下意识直至完全脱离现实物象，我们已经可以清晰的认识到他们所代表的是怎样的一个潮流和这个潮流的内在推动力。这正体现了一种鲜明的艺术观念：通过作品明确的表达自己的内心世界和独特的艺术观念，深刻的揭示作家对绘画、对艺术的理解。
这种观念很快为社会所接受，抽象艺术贯穿于现代艺术，从建筑到工业设计，从商业广告到服饰，家具等实用美学。抽象艺术无所不在，由康定斯基、保罗·克利等众多抽象艺术大师加盟的包豪斯美术学院更像是一部现代设计观念的发动机。
20世纪60年代，观念艺术悄然诞生，它肆无忌惮打破了艺术的边界，一切非艺术的、反艺术的、丑陋的、恶心的行为和摆设都可以成为艺术，一切机灵古怪的表演和装置都可以归于艺术名下。艺术的生命无所不在于歌舞升平，而在于以感性的力量去感受时代，把握社会。艺术的发展反映了人与环境之间的一种变化着的关系，以及人类认识的发展已经导致的我们用来感受和再现世界方式的变化。艺术观念又一次更新了。
世纪末精神世界的危机要求在艺术世界里发生某种变革，这种变革能在某种程度上体现人的自由精神。“精神的命运维系于依赖性生活与创造性之间的两级对立”3。在单纯的依赖性中和在想象的虚构中，精神都会丧失自身。即使生活的现实已为一种理想所支持，这个理想扔可能消遣。人作为一种精神的存在，与他的生活的现实状况紧密相连。人通过达到一种关于他自身的存在的认识而有能力把生活当作一种事实材料加以超越。也就是说，人要在现实的生活与精神创造之间寻求一个平衡点来维系自己，实现人生的意义、价值等等。“真正富有的文化应该超越现实，因为只有在遭遇人生基本问题的过程中，文化才能针对这些问题，通过一个象征系统，来提供有关人生意义变化却又统一的解答。”4 而照这样看来，经济基础和那个“更高地悬浮在空中的思想领域”（恩格斯语）之间是存在着最为严重的断裂的。在“文化”的领域内，起支配作用的轴心原则既不是“经济效益”也不是“平等权力”。艺术和思想的灵魂才是所谓“自我表达和自我满足”5。表达这种自我满足要求一个真正自由的空间，以及全新的艺术思维与创作的方式，此时，网络艺术应运而生了。
1.2科学技术与艺术
科技的发展为人类建立起了一个高度发达的工业文明社会，它强大的奴役与征服作用也时刻威胁着人自身生存和发展。现代科技深刻地影像着艺术。我们已经不能预计将来它还会给艺术带来些什么，“现代技术建立在科学基础上，经历了突飞猛进，它是高度分化和能动的，它给文化打上了深深的烙印，把文化推向飞速的发展步伐。”在现代科技革命对艺术产生深刻影像的今天，艺术只有作出积极的思考与响应才具有生命力。
1.2.1计算机与艺术
“如果有一种技术能够使人达到形成创造性思维和不需自我审视地自由表达思想的意识形态，那么，越来越渴求具有发明创造才能的个人的社会只会从中获美。计算机正被纳入一个看起来与其逻辑世界毫不兼容的活动领域：艺术世界。”7之所以在这里辟出一段篇幅谈论计算机与艺术是因为它与网络艺术的发展有着千丝万缕的联系，想探究网络艺术的奥秘就必须先了解现今计算机艺术的发展。计算机艺术是科学与艺术相结合的一门新兴的交叉学科，它向人类提供了一种全新的艺术创作手段，向人们展示了全新的艺术思想和艺术作品。
1946年2月14日，标志现代计算机诞生的ENIAC（electronic numerical integrator and computer）在费城公诸于世。从20世纪80年代后期以来，计算机进入突飞猛进的发展时期，根据“莫尔定律”，在30多年的时间里，计算机的性能价格比提高超过了一百万倍。
在专业技术方面，专业人员开发出了易用的图形形式的人机界面，并且已经开发出大量能够帮助普通人解决实际问题的应用程序系统。这两个方面的发展大大提高了计算机的易用性和有用性，使得更多的人接受它使用它。
在技术飞速发展的基础上，计算机为艺术提供了崭新的创作手段。自上个世纪60年代诞生以来，计算机音乐已经在音乐创作、演奏、影视配乐、教育、网络以及大众娱乐的各个层面影像人们的生活。“计算机音乐”指的是在音乐的创作与制作过程中运用计算机技术，包括音乐材料的获取，音乐本体各个参数的设定和构建，音乐的放送和传播等。现有的计算机技术原则上可以重现自然界一切已有的声响甚至嗯那个狗制造出自然界并不存在的声响，许多自然声，如波涛声、流水声、蝉鸣声、鸟叫声、山崩地裂声等，还有其它效果声。9
计算机音乐在硬件配置功能、软件的开发利用以及网络的传输上趋于成熟，改变了音乐文化生活状态11。软件涉及计算机作曲、计算机演奏、计算机演唱甚至改变了音乐的存在方式。美国依利诺斯大学的希勒（Lejaren Hiller）和埃萨克逊（Leonard Isaacson）在20世纪50年代中期开始以数学中的概率论原理生成音乐中的一些参数，再将这些参数转换为传统的乐谱，提供给演奏家。欧洲作曲家显纳基斯（Xenakis）以这种方式生成“随机音乐”（stochastic music）10美国加州大学斯坦塔·克鲁茨分校的音乐理论教授大卫·库柏利用计算机高速运算的优势来探索音乐大师们的音乐风格，编写出一个名为“音乐智能试验”的EMI（experimentsin musical intellgence）程序，将巴赫、贝多芬、莫扎特等大音乐家的作品解成片段，依据音乐创作原理重新谱写乐曲，创作了《第42交响曲》，酷似莫扎特的《第41交响曲》。11即便是如此，学界对于计算机音乐的普遍认识是：“计算机音乐只是一种工具的利用，而非一种音乐风格。”
计算机美术与计算机音乐一样，在美术创作构思、作画、欣赏等各个环节改变着传统艺术的观念。
人们利用计算机软件进行艺术构思，通过软件为人的美术创作提供一个人机交互的环境，通过一系列指令操作完成作品。Adoge photoshop、llustrator、coreldraw、freehand、pagemaker等软件主要用于平面设计。其绘画系统以二维交互绘画为特征，不仅可以构筑各种平面图形，还可以填色、渲染、变形；可以模拟油画、水彩、蜡笔画、铅笔画、中国画、浮雕的效果。3DMAX、 AUTOCAD等应用于三维造型的软件，采用实体造型的方式和Sweep方法把三维艺术作品打破了在二维空间中透视点固定的局限，表现物体的各个侧面和细节，在表现物体的质感、肌理、投影时更逼真、动画类软件是大家最为熟悉的：3DMACVIZ、Maya等等不仅可以创作出千变万化的三维实体，还能进行动态表现。可以将过去难以实现的空间曲面的夸张变形制作出来。好莱坞使用计算机制作已成为潮流：《泰坦尼克号》中甲板上悠闲自在的人群其实是数字化的人物而已，动画人员首先对佩戴传感器的真人进行拍摄，然后通过物质效果将被拍摄的人物转化为线条框架的三维计算机形象在计算机上进行操作；而《玩具总动员》则是由1561个全计算机制作的镜头组成，计算机生成了人物、街道、风景等图像，足可以乱真。
对于计算机究竟在艺术创作方面怎样改造着艺术家的创作，我们可以从平面设计与计算机作曲的方法上总结出一二。但脑在平面设计上的应用缩短了原来手工设计中文字排版、插图、字体选择、改换的耗时，也缩短了音乐家花在编写、打印乐谱上的时间；计算机的应用使艺术家的才能拓展了，也就是说一个钢琴家可以通过计算机熟练地运用弦乐或者其它乐器来编辑音乐，作曲家也不必等到乐队演奏时才能知道自己创作的交响乐的效果，因为这些可以统统由计算机来完成；此外，由于计算机强大的计算与存储功能使得任何的创作都可以进行量化的计算，并且做到越来越精细。计算机提供了崭新的造型语言和表达方式，替代艺术家完成大部分理性工作，使其更多地致力于概念分析、创意构思、选择评价等工作，构思成熟后，再由计算机去修饰、扩展、试验，最后确定表现形式，使艺术家们在较高层次体现设计创意及表现的能力。从创作的媒介来看，也不再只是纸笔颜料、琴键琴弦等实存“物质”而代之信息“概念”。运用虚拟的“概念”进行设计表现，是数字化的标志。13在储存与传播方面，计算机达到了对图像生成、乐音生成的有效控制，即只要随时存储图像、音响，变化的结果就可以随时返回设计过程中的任何一点，使设计过程不再是单向而是多项可逆的了。这些手段统统成为了实现网络艺术思想的技术基础。
1.2.2传播中的艺术
网络作为继报刊、广播、电视之后出现的第四媒体，指通过计算机网络传播信息的文化载体。14今天，全世界有互联网用户2.75亿人，有7500万个网址，并以每年80％的速度增长。
1.2.2.1媒体与艺术
列宁说：“要真正地认识对象，就必须把握和研究它的一切方面，一切联系和‘媒体’。”15媒介传播堆文艺的发展起着举足轻重的作用。从某种意义上来说，“文化的本质即传播。”16而“一切现存和正在创造的文化都是传播中的文化，文化一旦不再传播，就失去了生命力。”17人类从学会说话到学会写字、学会印刷，到运用了大众传播媒介和网络征服时空，每一步发展都使文艺传播产生了革命性变化。
文化传播的静态要素至少包括四个：作家、作品、读者、媒介。作家是传播活动的动因，作家创造艺术才使传播成为可能：读者为受传者（普通意义上，后有变化后文将论及）：作品是传播内容；媒介是连接这三者的行为者和工具，也就是整个传播活动的动力所在。
在文艺传播早期，主要依靠题壁、岩画与口头交流的方式，传播的动因表现为一种个体行为。在原始状态刻木结绳的条件呷，人们对自然了解不多，始终保持着一种神秘感，思维方式是以观察为主的经验思维，很难要求传播行为具有明显的社会性。就艺术而言，作为反映人们对物质世界看法的意识形态，这种观察性的思维与零散的形象性壁画和口耳相传的随意性的歌谣都是一种缺乏思辨性的创造活动。利用已有的物质体，一对一地或者如实地记录日常生活中的现象，或是利用人类发明的语言来传递信息都体现了传者一种相互“表达”的欲望。“表达”是传播活动此时最大目的，重在“说”，而不在“传”。这一是由于科技尚不发达，人们对世界的认识还没有“科学”的抽象，还是比较原始的形象思维方式，如出土文物中大量的陶器艺术品多为人物、形象的绘画。语言是一种具有时间线性的媒介工具，自然状态下前一分钟说的话，后一分钟已消失，并不具有空间存在的持续性和归纳的特征，因而思维表现为一种跳跃性。
纸文艺传播特别是印刷术的发明为文艺传播群体化带来了契机。人们对文艺传播的目的由“说”转变为“传”。“只印刷出乐谱而不诉诸听觉的音乐是不能使我们得到享受的，同样的，悲剧如果不通过高台和乐队用演员生动的语言说出来，对于古代的人们仍然是死板的陌生的东西，”18可见，“传”对于艺术的重要性。首先，纸的发明使文字寻找到一种方便的书写媒介。它便于书写，使人从沉重的记忆负担中解放出来，方便了思想的积累，它便于保存，能够有效保证社会共同意义的确定，利于将社会上所能产生的思想集中起来，最重要的，纸使人们第一次轻松实现在一定空间之内持久地展示固定思想，可以将前后发展的思想有序地组织起来，纸的发明使得人们开始用特殊的逻辑来组织经验，使自己的口出之言集合为一个整体。体现一定历史时期一定人群对世界的看法，使文艺的内容本身更具有群体性。印刷媒介方便了传播，教会人们有条理、深思熟虑、准确地修正和发展自己，使人们养成自我反思，线性思维的习惯，同时塑造出一系列可以保存的物质标准。
活字印刷快捷大量的复制与传播，给欧洲大陆带来巨大变化，使作者能大量记录、交流、传播其思想成果。一种有意义的思想可以在更多思想中激起意义：一个鲜活的生命空间在无数的生命空间中激起了共鸣，文化的性质发生了改变，并展开了现实社会与原有社会的抗争。难怪马克思这样说：“印刷术则变成新教的工具，总的来说变成了科学复兴的手段，变成对精神发展创造必要前提的最强大的杠杆。”19
如果说，由纸文化到印刷发展使文艺传播在最深刻的本质层面发生了由个体性到群体性直至社会性的质的飞跃；那么，电视时代的到来，则使这种群体性传播在技术层层面上发生了飞跃。我们会联想到的电视文艺形式如MTV、电视剧、晚会等等，与以往的音乐和戏剧为主的艺术形式的比较，符号与艺术工具都发生了变化。通过乐谱、剧本的流传而流传，这一类媒介一直处于自然的状态，运用起来必须靠实体性的“符号”间接一下。人们从用电来传递声音，到用电来传递影像（电影），最后到用电实时地远距离传递声音和图像，使艺术的传播出现了新的特点：大众性与娱乐性。文艺传播更重“接受”了。收视率和上座率成为评价一部艺术品的重要标准。艺术家通过电视进行进行表演，就是为了赢得更多观众，“观众就是上帝”。当然，电视传播虽然发达，仍然没有改变文艺传播的传统过程：传者——作品——受者，仍然是一种单向传播。
1.2.2.2网络与艺术
网络媒体信息量大，使用方便，可对信息进行多种处理，检索方便快捷，图文声像并茂；交互性强，省去了印刷、装订、储运等环节；降低了生产成本，出版周期短，信息通过计算机网络高速传播，具有信息获取快，传播快，更新快等特性；同时具有超文本功能，是一种具有强大生命力的大众文化传播媒体。
信息高速公路把人类带入数字化生存时代，它带来了更大的传播容量，更快的传播速度，以及更大范围的资源免费共享。通过光纤通信技术，我们每秒可传递1万亿比特，一根头发丝那样的光纤在不到1秒的时间里可以传递100万个频道的电视节目，同时，网络传播中体现自由性，交互性。
自由性虽与早期口传语言文艺随性而至的方式有些相似之处，但马克思主义的否定之否定的规律告诉我们，此自由不等于彼自由，这是发展变化了的自由，此个体性不等于彼个体性，这是更高技术层次基础上的个体性。个性化创作是网络文艺的突出特点。网络文学最大特点在于宣泄情感。因为网络世界是虚幻的，虚拟的身份对于网民来说从某种意义上是安全的。而网络的高速使其与人跳跃性的思维可以达到几乎同步，每一阶段的思想都可以通过网（不是记录，那是纸）传达传播出来，这就意味着一种建立在高科技基础上的个体性文艺传播。什么都是个体自主的，看什么、怎么看、怎么传等等都由个体决定。
其次是交互性。网络传播中受者即读者的高速反馈甚至可以达到再创作的程度。这一点恰好弥补了电视媒介反馈性弱的缺陷。但是网络传播乃至信息高速公路传播决不是大众传播媒介简单的升级换代。它不仅保持信息的大量复制、迅速传播，而且使个人行为更加生动和主动，使整个过程更私人化个人化。如同口耳相传的人际传播一样，一个人可以既是受者同时又是传者，双向性的传播恢复了。光纤的显著特点即可以在同一条道路上进行双向传输，用户可以通过交互信息系统与对方“对话”，信息的反馈变得非常及时迅速。对话不是被动的接受信息了。以电子出版物为例，在用户的视听交互终端显示内容，出版商可以凭借计算机互联与读者建立联系，读者可以在系统里和作者讨论，网络使著作出版更接近智力活动过程：个人在网上提出自己的创作意向或“作品”，网友或行家评论，不断修改直至完善。“文稿”在这个过程中“活跃”了，有生命了，也可以“新陈代谢”了，变化时时存在，可能刚过5分钟，稿子上就出现了许多眉批，一个人足不出户就可以实现创作——交流——接受——反馈——创作的过程。
1. 3接受美学视野下的网络艺术
文学艺术作品是在读者的阅读中真正实现的，这是接受美学理论的重要观点。它把研究重点转移到读者及其阅读活动上，这标志着人本主义思潮的复兴。网络艺术拓展了接受美学的研究领域，使其对接受主体的倚重研究逐渐转向了对接受客体的研究上，因为客体本身更深刻地体现了接受美学之尚待发掘的艺术观念。网络艺术在接受活动中表现出来的特征尤其鲜明，它提供了人机之间以及作者与读者之间交互式的创作与交流方式。就接受美学理论的发展来看，20世纪的接受美学理论家虽然提出了作者与读者共同实现艺术创造的观点，但由于物质手段的限制使得这种“共同”创造还只能是一种理想，这使接受美学的研究始终偏重于对主体的关注而疏于客体研究。网络的开放、自由、宽容和高速传播则为这种理想的实现提供了可能。作者与读者第一次在作品创作的过程之中实现了亲密接触。
