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彭晓阳︱浅议中国当下独立空间的独立性意义以及与空间制度设置的关系

2024-04-25 15:02:53.528 来源: 中国传媒大学跨媒体艺术研究中心 作者:彭晓阳


注:本文原载《美术观察》2024年第4期



内容摘要:本文拟从独立空间的独立性这一特征产生的初衷、在国内语境下演变的线索、存在的问题以及与空间内部制度设置的关系,结合外交公寓12号空间制度设置的实践进行讨论。

关键词:独立性 内部制度设置 空间所有权公有

 

尽管当代艺术的概念和边界仍在各种理论探讨和社会实践中被描述和定义,但有一个现象是显而易见的,正像艺术批评家、策展人和史学家瓜特莫克·梅蒂纳描述的那样:“随着左派的各种知识传统似乎要失去在政治领域和社会话语的位置,并且尽管艺术的方式是与资本主义的社会结构纠缠在一起,当代艺术的环路是左派思想作为公共话语仍然流传的仅存空间。”([美]e-flux journal编,陈佩华、苏伟等译《什么是当代艺术?》,金城出版社2012年版,第11页)

当代艺术本身需要建立一种能更加自由、独立表达的、不同于以往的艺术呈现方式和场域,正是这种需求使独立艺术空间这种形式应运而生。

本文提到的“独立空间”在一些理论探讨和艺术实践中也被称为“另类空间”。“另类空间”这个词源于“alternative space”的翻译,欧美20世纪六七十年代“另类空间”的意思更多是对主流艺术系统以及对现有的美术馆、画廊制度的反思与区别。本文使用“独立空间”主要有两个原因:一是回应这次讨论的“独立艺术空间的多重可能性”的题目;二是考虑到国内现阶段此类空间所面临的迫切问题是如何独立地生存、独立地表达。另外,本文讨论的独立空间仅限于包含了具有特定场所、地点的物理空间,那些抽象的或仅存在于媒体工具上的话语、交流空间未列入本文讨论范围。

国内的独立空间尝试最早出现在20世纪70年代,主要是一些体制外绘画艺术家囿于社会根本不为其作品的展示提供任何官方的机会,从而自发地聚集在一个特定场所,相互展示自己的画作。其中一个例子是1974年12月31日,艺术家张伟和他的10位艺术家朋友在他北京西城区福绥境大楼的家里举办了“十一人画展”。


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2022年12月至2023年3月,外交公寓12号何迟“故居”展览


20世纪70年代末到90年代初,一些西方国家驻华外交机构或新闻机构的工作人员也利用自己的住所,特别是北京外交公寓区域内的公寓,定期举办一些体制外艺术家和作品的展览。这些都可以看成是国内早期独立艺术空间的实践探索。

20世纪90年代末到21世纪初,的确出现了一些有具体的物理场地、一个或几个人发起的艺术空间,但它们普遍并非针对既有的美术馆和画廊系统的白盒子空间进行机构批判,也无意与体制划清界限,这主要是因为那个时期体制内艺术家与体制外艺术家的界限并没有那么清晰。这类空间的主要特征是由非官方发起或成立,具有完全的私人所有的性质,虽然开始时都以非营利的模式运营,但不久都转为了画廊或其他形式的商业运营。这本身也与20世纪后半期到21世纪初全球范围内新自由主义泛滥的大背景有着隐约的呼应。

直至2008年前后,国内陆续出现了一些相对完整意义上的独立空间,例如在北京的箭厂空间、外交公寓12号、掩体空间、盐空间、怀俄明计划等。它们的共同特征是:有一个区别于白盒子形态的特定场所,由个人或几个人集体发起从而独立于体制和大的资本,非营利,以更实验的方式刺激当代艺术创造力的发生。

由此可见,独立空间作为一种现实存在的实体空间,之所以独立或另类是因为有其“独立”的针对性。这个针对性又是由当代艺术的自身需要决定的。当代艺术需要呈现建立在批判和审视基础上的自由表达和创造性,这毫无疑问会在各个层面与现有的、固化的体制与艺术系统相冲突。


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2019年,外交公寓12号刘辛夷“应有掌声”项目


首先,美术馆和画廊系统的白盒子空间形式和当代艺术的生产过程就是独立空间所针对的,这承接了20世纪六七十年代欧美兴起的艺术界机构批判传统。20世纪80年代,对美术馆以外的空间进行探索,尤其是特定场域艺术发展时期,明确将作品的在地性特征作为作品的一部分,鼓励更多的艺术家离开美术馆空间,寻找日常生活之中具有特殊性质的场域进行创作和展览。在中国,欧美20世纪三四十年前开始的艺术探索仍旧没有过时,相反,它契合了打破中国美术馆及画廊机构始终未能走出对现代主义沉迷的状态。从白盒子的空间形态到机构运营机制,美术馆和画廊系统的重点还是那些被艺术系统相对认可的艺术家作品的展览、研究、收藏以及宣传、教育、推广,很少在当代艺术生产的源头激发艺术家的创造力。

其次,新自由主义泛滥带来的无孔不入的资本控制也是独立艺术空间所直接对抗的。传统的画廊体系受市场的左右,利润最大化是资本主义的最深刻的需求,这使得画廊更着力推广有市场潜力的艺术家及作品,而市场的需求基本上是由藏家的审美趣味和对投资回报的考量所决定的,这和艺术创作的初始动因相违背。实际情况往往是画廊根据市场调研和分析,提示甚至要求艺术家如何迎合市场的偏好或趋势。这就形成了一种对艺术家的诱导甚至限制,因此也就从根本上限制了艺术家的创造力。严格意义上的美术馆虽然是非营利性质的公共机构,但有一个原因使得它越来越受制于资本。即,美术馆的发起方多为大的行业资本,为了维持美术馆运营增加票房收入,扩大自身的影响力,需要获得尽可能多的参观量,因此要努力迎合大众的审美趣味和理解力。然而,当代艺术很大比例上是从思想观念到形式语言对既往大众业已习惯和接受的对象的批判和超越。如此,在艺术生产这一环节上,资本的作用势必形成对艺术创造力和革命性的制约。

最后,各种权力的干预也是独立空间所抗拒的。权力的干预往往比资本的影响更加直接。权力干预一方面来自公权力,另一方面来自独立空间本身。到目前为止,国内的独立空间都是由个人或几个人共同发起和拥有,这类空间在运行机制上都是个人决定或集体共治,在展览或项目选择上更多是个人偏好和个人艺术认知的体现。这种空间如果仅仅作为艺术家个人工作室的性质存在本无可厚非,可以是个人艺术认识和实践的场地,但作为一个以推动当代艺术创造力为目的的机构,明显这种决策机制是有缺失的。


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2016年,外交公寓12号王友身“外交公寓”项目


在国内现阶段如何保证独立空间的独立性,发挥它在当代艺术中乃至社会建构中的功能和作用,实际是一个复杂的社会问题,涉及管理制度的变革、公共事业资助体系的建立和完善等诸多问题。上述问题都是空间外部环境的问题,不是短时间能看到解决希望的。不过,空间自身以及空间内部的治理结构、制度设置也会在一定程度上帮助实现空间的独立性。同时也是应对外部环境、求得生存的一种方法,更是以当代艺术为内容、以空间活动为手段积极介入社会实践的尝试。以下以北京外交公寓12号的空间实践为例,通过梳理其内部制度的发展演变过程,讨论空间内部制度设置之于独立空间性质的维护和对空间效能发挥的作用。

外交公寓12号空间发起于2015年年底,是设在北京建国门外交公寓内的一个公寓空间。外交公寓12号试图利用这一特定的空间语境,启发和刺激艺术家打破白盒子的思维和呈现模式,聚焦问题,发挥创造力。空间经过一年的探索与尝试后设立了学术小组制度,空间创始人不再干预空间的展览内容。创始人任空间主持人,负责空间展览、活动及出版的实施、空间的对外联络、宣传以及空间日常事务管理。展览、活动及出版的内容、艺术家选择、空间的学术方向均由学术小组集体讨论,形成决议,交由空间主持人负责实施。同时,还设立了以捐赠人组成的理事会,负责为空间寻求财政支持,但此理事会并未取代创始人享有空间的所有权和实际控制权,而且理事会不干预学术小组的工作,不能对学术小组的判断施加影响,理事会在形式上不与学术小组进行直接的沟通。这种学术小组、主持人、理事会(资助人)的设置结构基本上保证了空间展览、活动、出版的学术独立性,阻断了资本直接渗透到空间展览、活动等内容的渠道。同时,空间在对外开放模式上选择了邀请制的参观方式,在现有管理体系中的法律地位相当于一个艺术家私人工作室,展览内容因此可以不纳入行业管理体系中,最大限度地保证了内容不受体制的控制。从而保障了艺术家艺术表达的相对自由。


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2023年,外交公寓12号庄辉“自学之路”展览


然而,经过8年的空间实践,还是发现这种制度设置存在一定问题,即空间的创始人担任主持人并且是对空间拥有所有权的实际控制人,这使得空间具有了强烈的个人色彩,这种个人色彩还体现在对学术小组成员的选择上。空间的这种私人所有的性质与资金来源于社会捐助的公共性也产生了逻辑上的不合。鉴于上述问题,从2024年起,外交公寓12号开始了新一轮制度改革,首先成立新的理事会,理事会成员由当代艺术界及相关领域的认同独立空间理念的公共知识分子出任,通过章程限定任期,到期更换。这种任期制也充分否定了空间权力归于个人或少数人的集体,也与艺术家的自我组织的自我管理有了区分。新理事会一经成立便接替了空间创始人享有的空间所有权,并重新选择和任命主持人和学术小组成员。以空间创始人兼现任主持人退出的方式促成机构的制度完善,从而使第一个真实意义的独立空间制度得以确立。

需要补充的一点是,很多人因为独立空间的非营利性、资金来源于社会捐赠,而强调此类空间的公共性特征,更有人狭隘地把公共性理解为向公众开放的程度和范围。其实,公共性最本质的内容恰恰是机构的所有权是公有,而对公众的开放程度和范围是由空间或机构所处的行业性质与专业程度决定的,并非所有领域的公共所有机构都面向全社会开放。举例来说,各个国家的基础科学研究机构大都是公共机构,但它们不仅不向公众开放,相反还会限制进入。它的公共性是通过它的所有权社会共有的性质体现的,它的资金来源于社会筹集,它的研究成果间接地应用于社会。同样,当代艺术的实验探索很大程度上属于社会多数人尚不能理解和接受的部分,独立空间的责任更多在于刺激艺术的探索和激发创造力。让独立空间去负载艺术普及和艺术教育的重任实际上是套用美术馆的机构标准来衡量一个针对美术馆体系而存在的空间,实质上也是对机构批判的一种抗拒。在特定的语境下,独立空间的独立性的保持很可能是以牺牲部分的公共性换取的。


彭晓阳,外交公寓12号空间、掩体空间、纹身店实验艺术空间创始人兼主持人

  

 

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许毅博(Xu YiBo)

2020-08-04 21:17:23.447 来源: artda.cn 艺术档案 作者:许毅博

许毅博(Xu YiBo)

简历

许毅博,跨媒体艺术家

现任教于于鲁迅美术学院当代艺术系

2018 韩国京畿大学·国际媒体艺术,博士在读

2017 美国纽约艾尔弗雷德艺术与设计学院,艺术硕士

2015 鲁迅美术学院雕塑系媒体装置雕塑研究,文学硕士

2010 鲁迅美术学院雕塑系,文学学士


获奖情况

葡萄牙Hangar Triangle Network驻地奖,里斯本

Artcloud 2019中国SAP艺术大奖,深圳

2019“废托邦”IART青年艺术计划“一等奖”,重庆

第七届“明天雕塑奖”入围奖,重庆

2019“王示廓奖”入围今日中国当代艺术青年艺术家,北京

2019武隆懒坝大地艺术奖,重庆

第二届“光与生活”艺术设计大赛“一等奖”,沈阳


代表个展

主题个展《自愈功能》

Robert.C特纳美术馆,美国纽约


群展

机器·人·艺术·时代,华·美术馆,深圳

葡萄牙Hangar Triangle Network驻地项目国际会议,里斯本

第二届“行走的视觉”上海国际数字视觉展,上海

第二届安仁双年展——“共同的神话”,成都

第七届“明天雕塑奖”获奖展,重庆

“时间开始了”乌镇当代艺术邀请展,乌镇

“王式廓艺术基金”今日中国当代艺术青年家国际驻留项目,北京

第二届“后生命”北京媒体艺术双年展,北京

“不同”大同国际雕塑双年展,大同

“废托邦”IART青年艺术计划媒体艺术展,重庆

武隆·懒坝国际大地艺术展,重庆

今日美术馆 In Art 未来馆项目,北京

韩国光州数字媒体艺术展,光州

“广维交互”科技驱动下的媒体艺术展,广东

中国(西安)青年实验艺术展,西安

常青藤计划“永生市”媒体艺术展,天津

“在路上On the road”中国青年艺术家(媒体艺术)作品提名展,深圳

中央美术学院第三届“教学相长”实验艺术大会文献展,北京


艺术家作品

《透明社会》系列


《那一缕光》

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▲《透明社会:那一缕光》 交互智能装置

150cm×60cm×300cm

2019

我们正在失去保有隐私的权利。而对于弱势群体盲人来说,世界既复杂悲情又单纯可信。单纯可信是因为他们不像健全人一样过度依赖当下的人工智能社会,且尚未被裹挟绑架,反而保有自身的独立性,作品正是通过将“上帝说要有光,于是世上有了光”的盲文转换成使机械装置发声的转轴凸点,通过这些类似于八音盒原理的凸起拨动拨片,拨片前端的“书写”装置不断将墨迹残留在白色的纸面材料上并反复叠压描画。装置上端的光源感应器对纸面的黑白进行数字化处理后,最终输出声音。这种无秩序的原始噪音是一种原发性规则所建立的秩序,是由“不可见”到“可感知”的转换,也是盲人群体自然生活与人工智能时代生活所形成的思辨,更是这个时代极具诗意性的歌声。

视频︱许毅博《透明社会·那一缕光》

 

《下一刻》



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视频︱许毅博《透明社会·下一刻》

作品说明

数字时代,人生活在相对真实中,“愉快”的行走在被数字信息所拼凑的坦途上。我们悄悄在社交媒体中品味他人喜怒哀乐的同时,自己的生活也在被他人咀嚼。这个时代我们又似乎是可以掌控万物的神,却也被万物掌控。这是一种永无休止的博弈,也是被数字时代所营造的奇异景观。

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▲ 《透明社会:下一刻》沉浸式影像装置,成都展览现场,2019年

作品以观众可以步入的房间为主空间(第一空间),在对立墙体上设置了 “凹与凸”的3米高的对应锁孔装置。当观众走进右侧“凸”形锁孔前通过小孔向内窥视,内部影像呈现的是自己站在展览空间中窥视小孔的延时画面(第二空间)。而同时,左侧墙面上的大的 “凹”形锁孔会同步出现观众窥视锁孔所露出的眼睛(第三空间)。处在“局” 中的观众永远无法发现自己背后的眼睛,也始终会认为自己在 “局”中掌控着不存在的主动权。

这形成了一种不同维度无休止的窥视循环,在这样的结构中,现场观众似乎掌控了三个不同维度,但一旦观众开始介入作品,便即失去了主宰空间的身份。并成为窥视循环中无数单元里微小的节点。这正如我们当下所生存的由人工智能大数据等领域所营造的虚拟社会。

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▲ 上海多伦现代美术馆“共振”展览现场


《自愈功能》


作品说明

后人类社会,人与工业产品不断产生交融碰撞。后生命3.0语境中,当人的意识与身体如计算机软硬件一样可以上传或更换时,我们如何界定人本体论的边界。 

人类与机器结合,源于寻找一种器官的延伸,从使用机器到机械骨骼对人体极限的辅助增强,再到脑机接口形成今天的“上帝力量”。人类从“信仰上帝”走向“替代上帝”,过程中需要保持警惕。“人”这个命题或概念本身的边界在何处?人之所以称之为人,同样饱含了人类的弱点与局限,当人的概念依赖科技无限膨胀到达临界点时,或许预示人如同一个气泡,他无法负载更多的能量而会瞬间破灭,人的本体在不断修复与扩张中边界已模糊不清。


《在地面飞行》

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作品说明

人工智能时代,乐观主义者与悲观主义者并存。无限度延展的科技在无制度约束下将走向何处?当人工智能与传统手工业的矛盾激增。最先打破的会是人类的价值观:勤恳的工作将无法继续带我们走向未来。

作品是马达驱动的动态雕塑,通过机械传动的方式来暗指在未来智能社会中,传统劳动者与人工智能所产生的荒诞矛盾与冲突。作品呈现往复飞翔的运动规律,但始终无法摆脱控制论体系,并进一步挑战人的普世价值观。


《归》

作品说明

作品是电机驱动的动态雕塑,通过步进电机的旋转带动人面雕塑往复运动,伴随的振动促使雕塑在白色平面展台上产生无秩序的位移并留下斑驳的轨迹。在某个时刻,或长或短的时间之后,雕塑会回到展台中央的红色凹槽中,短暂的停留后,下一刻又会离开。

这样一个循环的本意是探索科技在把人类推向某一个远方后,人类的本性使然,终究会回归本源,回到开始的地方。作品是电机驱动的动态雕塑,通过步进电机的旋转带动人面雕塑往复运动,伴随的振动促使雕塑在白色平面展台上产生无秩序的位移并留下斑驳的轨迹。


《记忆指向》


《无畏人言》

作品说明

作品中呈现的是两只互相咬合的人物头像,现场观众的交谈、议论、动作、肢体对作品图片都会产生交互性的破坏与重建。当观众离场,重归平静,作品再次回到原始的图像状态,人言散去,你还是你。


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许毅博 YIBO XU

“透明”的暴力

Q=hello陌生

A=许毅博

Q:2020年开年,疫情凸显的问题与你《透明社会》系列作品中体现的观点很接近,我们组织的《“隔离”·反思》线上展第一件作品就是你的《孔》,今天我们聊聊你的这个系列吧?

A:好的。2020这个开年是很多人一生都无法忘记的,作为艺术工作者,我完成了“透明社会:孔”这件小装置,你也可以叫他现成品雕塑,都无所谓,完成它只花了几分钟,但却显得有点沉重。“透明社会”这个系列的作品在2019年得到了关注与讨论,这也证明“智能时代,信息互联是否构成隐私泄漏与信任危机”成为了实实在在的问题。透不透明不是重点,对谁透明,或者说“选择性透明”才是重点。

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▲《透明社会·孔》,现成品,2020

当下智能时代的公共语境中还有比“透明”这个词更高高在上的吗?没有。人们对透明的渴求与信息自由息息相关。对“透明”的需求愈演愈烈,因此,透明社会成为理想中的“美丽新世界”。当人的行为变得可操作,可计算,可调节,可控制,行为就变成了透明的。当事物放弃其独特性,用价格来评价自己,那么事物就成为了透明的。所以说“透明”包藏着极权属性“一体化”。这是纳粹用语,强迫组织、机构、人的思想趋同。对“透明”的强制追求将人类本身降格为系统中的一个功能组件。“透明”的暴力就在于此。只有机器才是“透明”的。

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Q:其实现在我们已经很“透明”了,而这种“透明”是一种被动的,从而产生了许多质疑。

A:是的,相对透明社会,一些提出“后隐私”观点的人也十分荒诞,它以追求“透明”为由,要求人们彻底放弃私人空间,这会导致一种透明社交。但一个人对自己来说都不是绝对透明的,也正是这种不透明才维持了社交的鲜活。透明社会容不下任何信息和视觉缺口,然而,无论思想还是灵魂都需要空隙。这些空隙则是那些属于人的秘密,不透明的秘密。

疫情期间,单纯依靠更多的信息和交际不能照亮世界。透明可见并不能使人眼明心亮。大量的信息不会产生任何真相。信息被释放的越多,世界就越难以被看清。疫情期间我们因为信息泛滥而出现的荒唐行动又只归结为盲目吗?就如韩炳哲所说,信任只在“知”与“不知”之间才有可能存在。就如同我们早已通晓一切,信任就成了多余的。透明是一种消除了所有“不知”的状态。在透明盛行之地,便没有信任存在的空间。

其实,人们应该说“透明破坏信任”,而不是“透明创造信任”。信任不在,对“透明”便穷追不舍。以信任为基础的社会是不会执意要求透明的。透明社会是信任日渐消失,渴求依赖监控的社会。越大声呼求透明越体现道德基础的脆弱不堪,真诚、正直等道德价值越来越失去其意义,透明正在取代日渐式微的道德审查机构。正如艺术家劳伦斯·哈姆丹在作品中所阐述的,监狱中的罪犯告诉他囚徒与牢笼墙壁的关系,有人在囚室内三年不曾踏出室外。

透明社会,无外乎遍地监狱。

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Q:我看到在你透明社会系列作品中从不同角度不同媒介切入主题,跨媒体创作需要巨大工作量,你是如何平衡时间呢?

A:展览是对作品的曝光与检验,当然也是一种消耗。2019年抛开商业项目,我大概完成了四件作品:一件机械装置,一件交互影像装置,一件Mapping作品的升级版还有一件动态雕塑。这些作品的完成要特别感谢我团队中的两位好朋友,肖珣与郭长明。很多时候我的作品需要一系列的测试与安装,他们的支持才使得工作顺利进行,我们经常身在不同城市连续通话几小时来推进作品。尤其去年参加明天雕塑奖的动态雕塑,我人在韩国上课,除了完成作品的效果设计,后续的事情一直是朋友在做,全部周期历经一个月的时间,我们几乎每天通话数个小时,直到展览开幕前一晚才见到的作品。我有时候和这几位朋友交流工作进度会说着说着突然停下来,然后意味深长感叹,这要多么久的默契才能彼此在电话里听懂对方所描述的复杂机械结构啊!

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Q:2019年,你从乌镇当代艺术邀请展到安仁双年展,从入围王式廓奖到明天雕塑奖,后来又拿到了葡萄牙Hangar两年一次的驻地奖,以及iArt青年艺术计划的一等奖以及SAP艺术奖等等,除了作品所探讨的问题具有能量,还有其他因素可以谈谈吗?

A:我觉得融合艺术与科技的创作方式是另一个很受关注的点。未来十年应该会成为艺术科技最稳固发展的十年,很多评论人在说艺术与科技正在开启新一次的文艺复兴,能不能复兴我不确定,但从目前2017-2019年科技艺术与商业项目结合的数据来看是指数增长的,商业永远是肾上腺素。

回到作品本身,我比较喜欢做研究,无论是技术还是理论。我很喜欢2013年英国特纳奖得主劳里·普罗沃斯特,她是一个能够将自己丢进作品漩涡的女性艺术家,她有种粗糙的力量在调用不同媒介材料的时候,而我觉得我可以做的更好。术业有专攻,艺术创作中,这句话多数都是逃避接受与掌握新事物的说辞罢了。我的作品一般体量都很大,在一个区域的空间里很多元素都在起作用,这让作品与观众的共鸣更立体,而且这种传递是双向的不是单向的。油画和雕塑都是单向的,所以现在青年艺术家在这两个领域里很辛苦。

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Q:现在你还任教于鲁迅美术学院当代艺术系,在你从教的过程中,在艺术与科技这个领域你如何施教?

A:艺术与科技的教学工作仍旧发生在当代艺术语境中,所以思维是创作的重点,你如何认识问题,如何挖掘与佐证你观点很大一方面要靠自己平时的知识储备。智能时代带给人类更丰富的生活娱乐体验,这促使人类内心更加敏感与脆弱,我们很多时候头脑中都在奔涌着与过去截然不同的情感逻辑,而这些情感逻辑的养成正是来自于当下这个与众不同的时代,那么触发这些情感的媒介也将不再是传统的大理石雕塑或一幅巨大的写实画作。在这个时代前行的过程中,我们看到传统技法的维度不足以或不够开放的面对当下艺术工作者的创作思考,也越来越无法满足观众的情感需求,那么全新媒介的开放所引发思维上的破壁成为了可能性。

过去的艺术家也许会激烈的抗拒,当然,他仍旧可以这样做,但一个人或一个群体的坚守或好恶并不能阻挡在这个信息量高速注入生活的时代对艺术的现实需求。艺术脱离殿堂的趋势不在于现当代艺术家革“贵族艺术的命”,而在于市场需求嫁接在科技产能之上。当科技从本质上影响了艺术家的创作途径时并使艺术家理解智能时代的现实生态,作品进入生活空间将不再带有价值泡沫。以我的学科背景为例,雕塑的边界在哪里?这个命题的局限性就在于是否要率先承认学科的破壁。如果我们承认图像或影像,机械或交互媒体解构了雕塑的框架,那么我们甚至该探讨艺术的边界而不是探讨雕塑的边界。这个过程中,就雕塑而言,反而多媒介的冲击使雕塑本体论犹如膨胀的气泡,结局终将是被冲破壁垒。而作为艺术工作者的责任也将伴随壁垒的瓦解而肩负更多,更深入。 

 



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